Hold Your Horses - 70 Million

¿PUEDES RECONOCER TODOS LOS CUADROS QUE APARECEN EN ESTE VIDEOCLIP?

    
LOS CORTOMETRAJES

      Un cortometraje es una producción audiovisual o cinematográfica que dura sustancialmente menos que el tiempo medio de una película de producción normal. estas duraban menos de 40 minutos. Una de las finalidades del cortometraje es conseguir la atención del espectador desde el primer plano, a través de la historia que se le presenta, y "soltarlo" de manera sorpresiva, absurda, violenta, humorística, inexplicable, nostálgica, es decir, que "movilice" al espectador.

      Los géneros de los cortometrajes abarcan los mismos que los de las producciones de mayor duración, pero debido a su coste menor se suelen usar para tratar temas menos comerciales o en los que el autor tiene más libertad creativa. Muchos jóvenes creadores usan estos para dar sus primeros pasos en la industria cinematográfica y bastantes directores de cine consagrados hoy en día comenzaron con estas producciones. Probablemente el cortometraje más famoso de la historia sea "Un perro andaluz", escrito y dirigido por dos jóvenes que por entonces aún no habían alcanzado la fama: Luis Buñuel y Salvador Dalí.

    "Ana y Manuel" tiene una duración de 10 minutos y es un bonito y colorista cortometraje, 

¡¡os lo recomiendo!!  

 
     Cuando Ana es abandonada por Manuel, a ella no se le ocurre nada mejor que sustituirle por... un gran perro... con mucho pelo... y una boca enorme...llamado Man
      Cortometraje de Manuel Calvo. Protagonizado por Elena Anaya ("Alatriste", "Lucía y el sexo", "Miguel y William", "Entre mujeres", "Lágrimas negras", "Van Helsing", "Hable con ella", "Sin noticias de Dios", "Rencor") y por Diego Martín ("Días de fútbol", "Aquí no hay quien viva", "Días de cine", "Hermanos y detectives", "Un buen día lo tiene cualquiera", "Los Borgia", "Mataharis").

DOGMA 95: Nuevo concepto de cine

      En 1995 Lars Von Trier y un grupo de directores entre ellos Thomas Vinterberg y Soren Kragh-Jacobsen dieron a conocer un documento en el que planteaban la necesidad de modificar la forma de realizar el relato cinematográfico. Ese documento resultó ser el impulso inicial de un movimiento llamado Dogma 95 (Dogme 95). Los directores en cuestión se comprometían a tratar sus películas respetando una serie de normas estrictas a partir de las cuales buscaban, según ellos, encontrar la verdad profunda.

       Las películas filmadas de acuerdo a este movimiento deben ser filmadas en escenarios naturales evitando las escenografías armadas en los estudios, con cámara en mano o al hombro, grabada con sonido directo y sin musicalizaciones especiales. Todas estas especificaciones buscan dar a la historia un tono más realista. Ya han sido realizadas algunas películas distribuidas bajo el epígrafe Dogma 95: "Los Idiotas" ("Idioterme") de Lars von Trier, "Celebración" ("Festen") de Thomas Vintenberg, "Mifune" de Søren Kragh-Jacobsen, "Lovers" de Jean-Marc BarrThe King Is Alive" de Kristian Levring.
Dogma 95 se opone la ilusión individual del cine presentando una serie de reglas conocidas como el voto de castidad. 

 

 Este es el juramento o voto de castidad que tenian que hacer todos los cineastas dogma.

VOTO DE CASTIDAD

Juro someterme a las siguientes redactadas y confirmadas por DOGME 95:

1. Los rodajes tienen que llevarse a cabo en locación. No se puede decorar ni crear un "set". Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una locación donde estén los objetos necesarios.

2. El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada).

3. Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película tiene lugar).

4. La película tiene que ser en colores. Luz especial o artificial no está permitida (sí la luz no alcanza para rodar una determinada escena, esta debe ser eliminada o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara).

5. Se prohíben los efectos ópticos y los filtros.

6. La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden haber armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia).

7. Se prohíbe la alineación temporal o espacial. (Esto es para corrobar que la película tiene lugar aquí y ahora).

8. No se aceptan películas de género.

9. El formato de la película debe ser de 35 mm.

10. El director no debe aparecer en los títulos de crédito.

Desde ahora en adelante prometo como director no ejercer ningún tipo de gusto personal. Ya no soy un artista. Desde ahora en adelante prometo no crear una "obra", ya que considero que el instante y el ahora son más importantes que todo el producto. Mi meta absoluta es forzar la verdad de mis personajes. Prometo hacerlo a toda costa dentro de mis posibilidades y a costa de cualquier buen gusto estético.

Es por ello que hago mi VOTO DE CASTIDAD
Copenhage, Lunes 13 de marzo de 1995
En nombre del DOGME 95
Lars von Trier - Thomas Vinterberg

PIPILOTTI RIST en el Centro de Arte y Creación Industrial de La Laboral

    En referencia a la entrada anterior, me gustaría informaros que en el centro de arte de la Laboral tenéis expuesta una obra de Pipilotti, por lo que seria interesante que os acercarais un día para poder ver una de sus instalaciones en directo. La obra esta dentro de la exposiciónPasajes. Viajes por el híper-espacio, una selección de obras pertenecientes a la colección Thyssen-Bornemisza Art Contemporary. Integrada fundamentalmente por instalaciones y obras escultóricas de gran escala, la exposición ha sido concebida para estimular un recorrido contemplativo, reintroduciendo al espectador en el centro mismo de la experiencia artística; un viaje inmersivo a otra dimensión perceptiva que activa lo físico, lo sensual y lo cerebral. A continuación os dejo la descripción de la obra:

Related Legs (Yokohama Dandelions), 2001

Instalación audiovisual, Dimensiones site-specific, Vídeos de diversa duración, color, sonido
Vista de la instalación: Other than Yourself. An Investigation between Inner and Outer Space, Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Viena, 2008
Foto: Michael Strasser / T-B A21, 2008

    Pipilotti Rist es conocida por sus complejas instalaciones multimedia en las que imágenes, banda sonora y diversos elementos escultóricos crean inmersivos espacios de ficción.

 

      El material fílmico y la banda sonora, de diferente duración, son asíncronos y por tanto generan un número infinito de combinaciones y experiencias. Rist crea inquietantes entornos que recuerdan la terrible inocencia y la aguda conciencia de la infancia, esos primeros años pre-verbales en los que nuestro mundo aún es dominado por las imágenes.
     Suele aparecer en sus vídeos, y recurre a todo tipo de equipamiento fílmico para destrozar el concepto de escala; por ejemplo, combina secuencias grabadas mediante endoscopia con enormes paisajes. Difumina los límites entre espectador y obra, entre realidad y ficción, para cuestionar la artificialidad existente entre estas categorías jerárquicas y arbitrarias y proponer una manera más fluida de percibir el mundo.

Os dejo la dirección:

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial 
                            Los Prados, 121 - 33394 Gijón [Asturias] - España Teléfono: 985 185 577
LOS MIERCOLES ES GRATIS!!!  

Podéis subir en autobus en la LINEA 1, 2, 4 y 18

 PIPILOTTI RIST, videoarte, imaginación, sensibilidad y relajación.

Si el videoarte es un género en el que suelen abundar caóticas sucesiones de imágenes que connotan la dificultad para ser y estar en el mundo, puede decirse que la suiza Elisabeth Rist (conocida popularmente con el nombre de Pipilotti) vino a quebrantar aquel lugar común.

    Elisabeth Charlotte Rist (nacida en 1962 en Grabs, Sankt Gallen, Suiza) es una reconocida videoartista. Actualmente vive y trabaja entre Zúrich y Los Ángeles. El nombre hace referencia a la novela Pippi Calzaslargas de Astrid Lindgren. Durante sus estudios, empezó a realizar películas en Super 8. Sus trabajos duran generalmente un par de minutos, alterando colores, velocidad y sonido. Sus trabajos generalmente tratan hechos relacionados con el género, sexualidad y el cuerpo humano. En contraste con otros muchos artistas conceptuales, sus coloridos y musicales trabajos transmiten una sensación de felicidad y sencillez. Fueron en un principio considerados como obras de crítica feminista. Hoy en día sus trabajos se encuentran en las más importantes colecciones de arte de todo el mundo.

      En I'm not the Girl Who Misses Much (1986) Rist muestra como baila ante la cámara con un vestido negro con el pecho descubierto y labios rojos. Las imágenes son monocromáticas y difusas. Canta "I'm not the girl who misses much"; su versión del estribillo de la canción Happiness Is a Warm Gun de John Lennon ("She's not a girl who misses much") Al final, la imagen se vuelve azul y poco a poco difusa. El sonido se detiene. Rist cobró fama gracias a Pickelporno (1992), un trabajo sobre el cuerpo femenino, y la excitación sexual. La cámara, con un objetivo ojo de pez se mueve próxima a los cuerpos de una pareja. Las imágenes están cargadas de colores intensos, para percibirlas de una manera extraña, senual y ambigua por el espectador.

      Ever is Over All (1997) muestra a cámara lenta a una joven que aplasta una flor tropical en los cristales de coches aparcados. Una policía se acerca y la saluda. El clip ha sido comprado por el MOMA de Nueva York. Los dieciséis videoclips de Open My Glade fueron reproducidos cada hora en una pantalla en Times Square en Nueva York, una iniciativa del programa Messages to the Public, que existe desde 1980.
      No sólo se asocia a Pipilotti con la MTV por los aspectos visuales de sus grabaciones sino también por la importancia que desempeña la música en todas sus obras. Antes de convertirse en artista visual, Rist formaba parte del grupo de rock femenino Les Reines Prochaines. Desde entonces no ha dejado de componer. Las canciones hipnotizantes que acompañan a los vídeos son creadas por la artista en colaboración con Anders Guggisberg, también artista, además de miembro del equipo de profesionales que trabajan con ella.

 

Del vídeo a la instalación

Con el transcurso del tiempo, las obras se han hecho cada vez más sofisticadas. Su enriquecimiento personal, unido a los avances tecnológicos, han dado lugar a cortos indudablemente bellos y envolventes. Lo que no cambia es que ella sigue interpretando el papel de protagonista. Se produce un cambio sustancial cuando Pipilotti decide añadir una nueva dimensión a sus creaciones. Deja atrás el formato plano y comienza a crear instalaciones en las cuales integra vídeos que proyecta directamente sobre muebles, bañeras o simplemente sobre suelos y paredes del museo. Las imágenes invitan al disfrute. Esta “dulzura” aparente de sus obras ha suscitado críticas. Pipilotti ha repondido a sus adversarios haciéndoles la pregunta de por qué hemos de rehuir del placer. Según ella, el disfrute es mantenido al margen del arte, al ser considerado más propio de la cultura popular. La artista rechaza hacer distinción entre low-art y high-art, sin negar la existencia de valores de calidad. 

Desde la secuencia intermitente de imágenes psicodélicas y pop, hasta la utilización de las tomas fallidas de las grabaciones en vídeo, las imágenes de la autora son un licuado de instantáneas de un universo onírico, con reminiscencias del subconsciente y todo ello reconstruido bajo la regla de la libre asociación. Los videos de Rist también buscan la estimulación de todos los sentidos en el momento de la percepción al proyectarlos de diversas maneras en habitaciones para que la gente se siente en sillones agigantados o se tumbe en el suelo para verlos y escucharlos. La saturación de colores en sus vídeos –tirando hacia los azules eléctricos y los rojos- o el humor y su obsesión por el cuerpo femenino, no son las únicas características de la obra de Rist, sino también las posibilidades que el entorno provoca sobre el espectador de sus obras. 

BANKSY

Banksy oculta su identidad real a la prensa general. Muchos periódicos han apuntado que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks, pero este rumor podría haberse originado a partir de una broma por la similitud fonética entre el nombre "Robin Banks" y "robbing banks" ("robando bancos" en inglés).

Simon Hattenstone, de Guardian Unlimited, una de las pocas personas en entrevistarlo cara a cara, lo describe como "una mezcla entre Jimmy Nail y el rapero inglés Mike Skinner".

Recientemente fue capturado por el objetivo de un teléfono móvil trabajando en una de sus obras en Bristol, Inglaterra.

Comenzó su obra en las calles de Bristol, su ciudad natal, entre 1992 y 1994. En el año 2000 organizó una exposición en Londres y después de esto ha plasmado sus pintadas en ciudades de todo el mundo.

Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación.

Banksy también trabaja cobrando para organizaciones benéficas como Greenpeace y para empresas como Puma y MTV , y vende cuadros hasta por 25.000 libras en circuitos comerciales o en la galería de su agente, Steve Lazarides. Un juego de obras de Banksy se vendió en la casa de subastas Sotheby ´s por 50.400 libras. Esto le ha llevado a ser acusado de vendido por otros artistas y activistas. Al ser anónima su identidad todas estas acusaciones quedarían sin efecto.

Hay varios temas que se repiten en la obra de Banksy: ratas, oportunidades de foto (lugares típicos donde los turistas desearían hacer una foto sin pintadas), soldados orinando, policías, etc.